Argentina 2015 / Guion: Santiago Mitre, Mariano Llinás / Dirección: Santiago Mitre / Fotografía: Gustavo Biazzi / Música: Nicolás Varchausky / Montaje: Delfina Catagnino, Leandro Aste, Joana Collier / Actores: Dolores Fonzi, Oscar Martinez, Cristian Salguero, Esteban Lamothe / Produce: co producción Argentina – Francia – Brasil: La Unión de Los Ríos; Lita Stantic Producciones, Telefónica Studios; Story Lab; Full House; Video Filmes

Reino Unido 2015/ Guión: Lucinda Coxon / Dirección: Tom Hooper/ Reparto: Eddie Redmayne, Alicia Vikander, Matthias Schoenaerts, Ben Ben Whishaw; Amber Heard /  Música: Alexandre Desplat / Fotografía: Danny Cohen/ Produce: Focus Features, Working Title Films

Lucinda Coxon guionista y dramaturga británica. En cine “The Heart of me”, “Wild Target” y “Pétalo Carmesí, Flor Blanca”.

Tom Hooper, cineaste británico. Se destacó en “El Discurso del Rey” ganando el oscar a mejor director. Tiene una extensa filmografía tanto en cine como en tv, entre las que sobresalen “Jhon Adams” (miniserie) y “Los Miserables”.

Basada en la historia real de la pintora danesa Lili Elbe y adaptada al cine del libro homónimo de David Ebershoff “The Danish Girl”, el film es en palabras de su director Tom Hopper “una película romántica”.  Se sitúa entre los años 20 y 30 en Dinamarca, donde la pareja de pintores Einar y Gerda Wegener disfrutaban de cierto reconocimiento en el círculo artístico.

Tendríamos primero que destacar algunos rasgos del romanticismo para poder analizar esta pieza con propiedad. Pensemos primero que en los años 30 se trata del dominio de la estética romántica en la mayor parte de las manifestaciones artísticas, el apogeo de una manifestación que se venía gestando desde el sXVIII en respuesta al Clasicismo y que se traduce en la libre expresión poética, el desarrollo del sentimiento e individualismo del artista que rompía con las normas rígidas y artificiosas del período anterior. El artista romántico es esencialmente un rebelde e idealista, consiente del “yo”. En “The Danish Girl” vemos a través de la vida de los personajes esa búsqueda interna, desde la biográfica vida de Lili Elbe, la primera mujer transgénero en someterse a una operación reasignación de sexo y cómo su entorno enfrentó esta impresionante transformación. El cambio al que se enfrenta Lili Elbe no es sólo a nivel personal sino también el arte mismo y sus actores sociales se encontraban en plena transición. El mundo experimentó un cambio de pensamiento que rompía con todo lo establecido.

Pero si bien “La Chica Danesa” (traducción del título en español) intenta rescatar ese sentimiento desde el arte cinematográfico, en mi opinión, no llega a transmitir toda la fuerza y el coraje de la que se debió armar esta pareja, dejando como resultado un film que en su tratamiento estético recurre al romanticismo pictórico, en la utilización de la luz y de los planos estáticos que se asemejan a pinturas vivientes, sus personajes son sentidos y apasionados y se aman más allá de los formalismos pero en su aspecto puramente cinematográfico, la película cae en convencionalismos que no le permiten despegar, volviéndose un tanto predecible.  Quizás el punto más vulnerable es en el caso del montaje, recurriendo a un montaje clásico y una estructura narrativa lineal que parece en todo caso no poder desprenderse de las normas y remontar vuelo.

Eddie Redmayne encarna con solidez a Einar / Lili Elbe como también hace lo suyo Alicia Vikander en el rol de Gerda Wegene, lo que les valió a ambos la nominación al Oscar 2016 como Mejor Actor y Actriz de Reparto respectivamente, logrando en el caso de Alicia Vikander a obtener la estatuilla. “The Danish Girl” fue también nominada a Mejor Diseño de Vestuario y Mejor Dirección de Arte, por lo que está demás destacar el impactante trabajo de reconstrucción que llevó adelante la película.  Por su parte, Alexandre Desplast compone la música del film con la misma brillantez con la que nos tiene acostumbrados.

Por último a destacar de modo positivo en torno a esta película es su temática misma, polémica desde su concepción pues poco se habla al respecto y su registro en la pantalla grande es muy esporádico. Incluso fue prohibida en varios países de Oriente Medio, por lo que nos demuestra lo mucho que todavía nos queda a la humanidad por dialogar al respecto. La película demuestra un compromiso con lo que representa, como es el caso del propio Eddie Redmayne quien dice haberse reunido con personas que se sometieron a operaciones de cambio de sexo para poder llevar adelante el papel de Lili Elbe. 

Cuando las imágenes hablan por sí solas no hace falta demasiado esfuerzo para que entre en la mente y el corazón de quién las observa. Es extraño que el cine ecológico sea consumido por millones de personas en el mundo por la belleza de su paisaje entre otras cosas, y siendo a su vez los millones de personas los que tenemos la responsabilidad de la ferocidad de lo que se ve, en mayor o menor medida.

Narrada por el mismo director, Home es en principio un filme rodado con una alta calidad técnica. Filmada cien por ciento en cámara aérea captura la belleza y a su vez el deterioro del planeta: ¿Cómo se formó? ¿Cuántos iguales a él existen? ¿Cómo fue posible la vida en nuestro planeta? ¿Cuál fue el primer germen de vida, hace cuánto tiempo y porqué se dio? Estos y cientos de interrogantes más son respondidos en Home. Su mensaje es claro desde el mismo título: este planeta es nuestro hogar y lo estamos destruyendo. Nos muestra la magnificencia de la naturaleza y esplendor de la vida para ponerla en contraste con una realidad aguda y dolorosa. “El hombre vive en este planeta hace apenas 200 mil años y ya ha conseguido cambiar el mundo, ha dominado su entorno con su mayor fuerza: el ingenio” 

Pero por sobre todo, la denuncia más dolorosa que hace esta película es, que a pesar de toda la tecnología, del daño a nuestro planeta, a pesar de la destrucción de lo que a la naturaleza le ha llevado millones y millones de años en crear, del avance científico, de la supuesta “evolución del hombre” aún no hemos podido, como especie, asegurar nuestra propia subsistencia.

Para salir de esta realidad angustiosa, hacia el final la película intenta buscar una punta de ovillo para poder vislumbrar un futuro no apocalíptico. Mediante una serie tips y datos estadísticos intenta presentarnos sino una solución al menos una alternativa para empezar a hacer algo. Está en el espectador el pensar si es que el daño puede ser revertido y sobre todo, cuánto tiempo nos queda para lograrlo.  

Fueron necesarios 10 millones de euros para filmar Home, de los cuales el principal aporte fue de la empresa Kering (en ese momento Pinault- PPH) que desarrolla marcas de lujo y para el gran público, lo cual resulta hasta una paradoja típica del ser humano: desde el seno del sistema consumista, generamos una crítica a nuestra vida moderna. Aún así necesitamos ver lo que se expone, necesitamos estar al tanto de lo que sucede en nuestro hogar.

Home  se exhibió por primera vez el 5 de junio de 2009 y en simultáneo en 50 países, como así también youtube donde puede encontrarse para su visualización de manera gratuita.

Alberto Rodríguez nació en Sevilla en 1971. Su cortometraje “Banco” en 1997 fue multi premiado y le permitió acceder a su primer largometraje “Factor Pilgrim” (2000), premiado en San Sebastián con la Mención Especial del Jurado a los Nuevos Realizadores. Luego en 2002 filmó “El Traje”, en 2005 “7 Vírgenes”,  en 2009 “After” y en 2012 “Grupo 7”. En 2014 se estrena “La isla Mínima” y actualmente se espera el estreno de “El Hombre de las Mil Caras”.

Rafael Cobos. Guionista y escritor de teatro español. Entre su filmografía se encuentran: “7 Vírgenes” (2005); “After” (2009); “Grupo 7” (2011); “Ali” (2012); “El amor no es lo que era” (2013); “La Isla Mínima” (2015) y “Toro” (2015).

En 1980, en las marismas de Guadalquivir, en donde el aislamiento geográfico hace propicio el trabajo en semi esclavitud y vuelven a las islas tan misteriosas como sofocantes, dos detectives de policía llegan para investigar el caso de la desaparición de dos jóvenes hermanas. En el período de transición histórica entre la España franquista y la democrática, que envuelve el pasado de los personajes, confrontándolos.

De una impactante belleza visual, con tiempos de relato que datan de un manejo armónico con los tiempos dramáticos,  se construye “La Isla Mínima” un apasionante policial del ya experimentado Alberto Rodríguez, que incursiona nuevamente en el género junto a su dupla de fórmula, el guionista Rafael Cobos para lograr una película que es quizás una obra cumbre en la filmografía de ambos.

Un film de género, que se arraiga al policial negro para retratar problemas colectivos y de fuerte crítica social, cuyo relevamiento histórico saca de manifiesto una problemática ética y filosófica actual.

Multi premiada en los premios Goya, “La Isla Mínima” recibió recientemente el premio Fenix a Mejor Diseño de Arte. Un cine delicioso y basto, tan cautivante como crítico. Es una cita indiscutida para todo Cine de Films. 

En 2014 se llevó a cabo en la ciudad de México y por primera vez la entrega de Premios Fénix para celebrar el cine de Iberoamérica. En noviembre de 2015 se realizó  la segunda entrega cuya importancia se destaca en el mundo audiovisual adquiriendo rápidamente gran relevancia.

Quienes participan son los integrantes de Cinema23, esto es un proyecto que surge de la necesidad de diálogo entre el cine latinoamericano, portugués y español, reuniéndose así a 22 países para difundir las películas que allí se realizan. Los 22 países más los directores que quieren hacer cine en estos países forman los Cinema23, iniciativa a la que se van sumando los artistas de más renombre que abalan y respaldan el proyecto, de gran importancia para la difusión de éste cine.

Premios Fénix es la ceremonia de premiación  y consta de 13 categorías + 4 reconocimientos especiales. El premio de reconocimiento es una estatuilla con forma de huevo del ave fénix diseñado por el artista plástico brasilero Artur Lescher.

Podemos encontrar entre sus ganadores 2015:

En Cine de Films apoyamos esta iniciativa y la celebramos, sumándonos a difundir el cine iberoamericano que felizmente se reúne para darle impulso a la región.

http://premiosfenix.com/

España 2013 / Guión: Pablo Alén, Breixo Corral / Director Javier Ruiz Caldera / Fotografía: Amau Valls Colomer / Reparto: Inma Cuesta, Martiño Rivas, Quim Gutiérrez, Paco León; Berto Romero, Rossy de Palma, María Botto, Laura Sánchez, Silvia Abril, Bárbara Santa Cruz, Bruno Sevilla / Produce: Apache Entertainment, Think Studi, Ciskul, Atresmedia Cine

Javier Ruiz Caldera es un director español. Se inició en el cine con un cortometraje titulado “Treitum” con el que ganó más de 60 premios alrededor del mundo. Se dedicó al montaje publicitarió para luego en 2009 filmar su primer largometraje “Spanish Movie”, con una amplia repercusión en el público. Luego siguieron “Promoción fantasma” (2011) y “Tres bodas de más” (2013). Actualmente se espera “Anacleto, agente secreto”  pendiente de estreno.

Pablo Alén y Breixo Corral ambos guionistas. Su primer película es “3 bodas de más” y ambos trabajaron en el guión de la nueva película de Javier Ruiz Caldera “Anacleto, agente secreto”. 

Toparse con “3 bodas de más” es casi una bendición. En principio porque no hay mucha comedia romántica buena que escape de la formulita norteamericana. Segundo, porque tampoco es un intento de replicar un humor español al estilo Almodóvar. Y es que “3 bodas de más” es una comedia fresca, auténtica, capaz de trascender fronteras y barreras culturales. 

Inma Cuesta, es quien lleva adelante la historia interpretando a Ruth, una joven científica que, tras ser rechazada por su novio después de 3 años de noviazgo, se enfrenta a un período de crisis existencial en donde se siente ya mayor y comienza a preocuparle el hecho de no haber podido aún encontrar a su media naranja. Su angustia y ansiedad comienzan a incrementarse cuando sus ex parejas le comienzan a mandar paulatinamente invitaciones a sus bodas, destacando en todos los casos la importancia de que ella “pasara por sus vidas”. Para ayudarla llegará Daniel, el nuevo becario del laboratorio, quien se convertirá en su ayudante en esa ardua tarea de cambio y superación personal.

Sarcástica, irónica e inteligente; con una pequeña cuota de grotesco que le queda muy bien y con diálogos de una picardía excepcional, “3 bodas de más” es una cita perspicaz con un cine que demuestra que la comedia romántica puede salirse del molde para superarse cada vez más.

EEUU 2013 / Guión: Scott Cooper y Brad Isgelsby / Dirección: Scott Cooper /  Música: Bob Bowen / Reparto: Christian Bale, Casey Affleck, Zoe Salandana, Sam Shepard, Woody Harrelson, Willem Dafoe, Forest Whitaker / Fotografía: Masanobu Takayanagi 

“Out of the furnace” es dura por donde se mire. Intensa y profunda en sus opiniones. Cuenta la historia de Russell Bale, un obrero metalúrgico y ave protectora de su familia cuya vida  transita entre la doble jornada de trabajo para pagar las deudas de juego de su hermano menor Rodney (quien está a punto de ir a Irak al frente de la guerra); su padre (antes que él también metalúrgico) que se encuentra postrado en cama y su novia, con quien planean una vida juntos. Pero todo se complica cuando Russ sufre un accidente automovilístico que lo lleva a cumplir una condena. Tras ese suceso todo en su vida se precipita hacia lugares oscuros y dolorosos.

“Out of the furnace” trata de la sociedad norteamericana y de la cultura de la violencia tan arraigada que solo puede conducirse hacia una dirección, la de más violencia. Pero también, de una clase obrera trabajadora y sus faltas de oportunidades frente a una sociedad que la envuelve y manipula hacia donde no hay escapatoria.

Interpretada magistralmente con un elenco impecable, desde Casey Affleck que interpreta al hermano y cuya naturaleza no puede negar; a Woody Harrelson un gánster de la droga  y el juego clandestino; y fundamentalmente el trabajo de Christian Bale  que da vida al personaje de Russ, sutil, sensible pero a la vez fuerte, da la sensación de ser una bomba a la que no hay que molestar pues la explosión será implacable.

La riqueza de sus escenarios con una puesta en escena impecable, desde la música que Bob Bowen  compuso para el filme hasta el montaje que trasciende por mucho lo meramente funcional. Recomendarla sería poco, aunque para verla antes hay que tomarse una larga y profunda bocanada de aire.

Haifaa Al Mansour nació en Arabia Saidita en 1974.En 2005 había filmado un documental titulado “Women Without Shadows” que abrió el debate en torno a varios tabúes  de la cultura saudí. “Wadjda” es su opera prima en el ámbito de la ficción.

“La bicicleta verde” es un paso riguroso para todo amante del Cine de Films. Y lo es por muchos aspectos. En principio, porque es la primera película producida y filmada  enteramente en Arabia Saudi y este no es un dato menor si tenemos en cuenta que en este país el cine y el teatro estuvieron prohibidos por la ley islámica  por más de 30 años (y en la actualidad existen muy pocas salas)  por considerar que allí los hombres y mujeres estarían mezclados sin supervisión alguna. Segundo, por ser una película realizada por una mujer y que además trata de derechos de género, lo que la convierte de entrada en un film crítico y polémico tanto para el interior del país como para el mundo.

Transitamos por la vida de la encantadora Wadjda, una niña de 11 años que sueña con tener una bicicleta, las cuales no son bien vistas para una mujer; pero sabemos de entrada que ella no es como las demás niñas, que tiene un temple particular y dificultad para seguir las normas establecidas. Basada en la vida real de la sobrina de la directora (y en su propia experiencia),  La bicicleta verde nos muestra desde adentro la clase media saudita, la lucha de las mujeres por desarrollarse intelectualmente y de subsistir en una sociedad en la que son constantemente cuestionadas.

Una historia sin recovecos, simple en su línea narrativa y que nos recuerda indiscutiblemente a la iraní “Niños del cielo” de Majid Majidi que en 1997 fascinó a públicos de todo el mundo, “Wadjda” (que es su título original) como buena discípula captó también la atención internacional, logrando ser multipremiada en diferentes festivales e incluso nominada al oscar como mejor película de habla no inglesa, lo cual es también un logro si se piensa que es la primera vez que arabia saudita presenta una película.

Emotiva, fresca y dulce si se quiere. Como pieza cinematográfica, quizás imperfecta pero cuyo balance en lo positivo sobrepasa con creces a lo que le falta. “La bicicleta Verde” es otra muestra de un cine posible, que puede captar la atención del espectador sin grandes presupuestos, dejándonos la sensación de haber presenciado una pieza que nos propone un diálogo y que nos invita a evolucionar.

EEUU 2015 / Guión: Mikko Alanne, Craig Borten, Jose Rivera, Michael Thomas sobre el libro de Héctor Tobar/ Música: James Homer, Fotografía: Checco Varese / Reparto: Antonio Banderas, Rodrigo Santoro, Julierre Binoche, Mario Casas, Pablo Gabriel Byme, Lou Diamond Philips, entre otros/ Produce: Phoenix Pictures, Half Circle, Dynamo

Patricia Riggen nacida en México en 1970. Debutó como directora de cine en 2007 con “La Misma luna”, a la que siguió “Lemonade Mouth” de Disney Channel en 2010. En 2012 dirigió “Educando a mamá”.

Película basada en hechos reales acontecidos en la región de Atacama, en Chile, durante el derrumbe de una antigua mina de oro, en la que 33 mineros pasaron 69 días bajo tierra, hasta su rescate.  Una producción hollywoodense con más desaciertos que alegrías.

A pesar de ser una directora mexicana, Patricia Riggen, el tono de las actuaciones se queda a medias tintas, no logrando hacer creíble nada de lo que acontece en la pantalla. A lo que habría que sumarle un montaje impreciso, mal direccionado, saltando constantemente de escena a escena entre situaciones de fuerte dramatismo a otras de un carácter casi festivo, subrayado por la música carnavalesca que intenta desesperadamente generar un arraigo a lo latino pero sin lograrlo en lo absoluto.

El carácter xenofóbico de la película se pone de manifiesto en la figura de uno de los mineros, de nacionalidad boliviana y el cual es el blanco de burlas y malos “chistes” que lo colocan por debajo de la capacidad intelectual del resto de los mineros.

Por otra parte, el carácter de propaganda política que adquiere la película genera hasta cierto rubor ajeno, destacando la figura del por entonces presidente Sebastián Piñera y del entonces ministro de minería Laurence Goldorne, quien es elevado a un carácter de héroe de indiscutibles valores morales.

Para agregar, el tono machista de la película se revela en las figuras femeninas y en el carácter burlesco de las relaciones conyugales de uno de los mineros cuya esposa se agarra literalmente de los pelos con la amante del marido, a la vista de todo un séquito de periodistas que captan la escena como una nota de color al margen del suceso.

“Los 33” tuvo una recaudación bastante favorable en cines, lo que demuestra una vez más que la formulita de poner actores reconocidos en pantalla aumenta las garantías de cubrir la cuota necesaria, pero no por ello la vuelve más interesante.

Reino Unido 2015 / Guion y dirección: Alex Garland / Reparto: Domhnall Gleeson, Alicia Vikander, Oscar Isaac / Fotografía: Rob Hardy / Productora: DNA Films, Film4

Alex Gandarld nació en Londres, Inglaterra en 1970. Su carrera se inició como novelista (The Beach, 1996; The Tesseract, 1998; The Coma, 2004) las dos primeras llevadas al cine. Como guionista, trabajó en varias producciones. Ex Machina es su primer trabajo como guionista y director.

Toparse con una pieza de ciencia ficción que con sencillez de recursos intenta contarnos una historia con toda la fuerza del género, es desde ya, una alegría. Después podemos concentrarnos en desgranarla, clasificarla, deglutirla como más nos guste a cada uno, pero creo que en ninguno de los casos podría decirse que fue una pérdida de tiempo, a menos que no te guste el género, claro.

“Ex Machina” por su parte, cumple con mucho de lo bueno como para captarte. Nos plantea un mundo posible en el que un joven programador, Caleb, empleado de la gran Bluebook gana la posibilidad de viajar a conocer a su fundador, un multimillonario excéntrico admirado por todos que vive como ermitaño en una mansión apartada de la sociedad. Allí, el joven conocerá su último y más maravilloso invento, su obra maestra: un robot humanoide de nombre Ava.

Con una fuerte carga psicológica, nos adentramos en un mundo maravilloso y perverso, que trata con gran habilidad uno de los temas quizás más trillados del género de ciencia ficción: el dilema ético entre humanosy máquinas. Sin embargo, la originalidad radica en la carga simbólica de sus escenarios, en la delicada forma en que haciéndose de una puesta en escena minimalista logra transportarnos, cautivarnos y sorprendernos, destacando de forma particular el abordaje de la película en torno a la figura de la mujer.
"Ex Machina” es una hermosa pieza de ciencia ficción, sólida en sus actuaciones y de gran calidad técnica. Una recomendada cita para los amantes del cine de films.

“Karigurashi no Arietti” / Japon 2010 / Guión: Hayao Miyasaki y Keiko Miwa/ Director: Hiromasa Yonebayashi / Música: Cécile Corbel / ESTUDIOS GIBLI

ESTUDIOS GIBLI nos tiene siempre acostumbrados a degustar películas ricas no sólo por lo que entra por los ojos sino también por lo que se queda palpitando en el interior de cada uno. Y si a los estudios le sumamos que el guion de esta película lo realizó Hayao Miyasaki (acompañado de un joven guionista Keiko Miwa y adaptando la novela de la británica Mary Norton “The Borrowers”) entonces no hay más lugar a dudas de que este filme es una pieza a la que uno no se puede resistir (o no debería, si es que le gusta ser feliz).

“Arriety y el mundo de los diminutos” nos cuenta la historia de una joven (Arriety) que pertenece a una raza de seres diminutos a punto de extinción. Ella y su familia deben  sobrevivir ocultos en una casa de humanos, realizando incursiones a su mundo para obtener los menesteres necesarios. Pero el mundo de los seres diminutos se ve amenazado cuando Sho, un joven con una grave enfermedad de corazón, se traslada a la casa para descansar antes de una cirujía que pronto se realizará.

Desde la perspectiva de estos seres diminutos, los objetos de la vida cotidiana se resignifican y se vuelven parte de una gran aventura, aquella que Arriety deberá aprender a descifrar.  

La película destaca por la simpleza y profundidad del relato, el preciosismo de los espacios, la calidez con la que logra acercarnos a la naturaleza y tomar conciencia ecológica. Y no es porque el filme logre la perfección absoluta pues a diferencia de otras del ESTUDIO a “Arriety” le falta apenas un escaloncito más para llegar a la altura de Chihiro o el Castillo Vagabundo, pero eso sería entendible si comprendiéramos que es el primer filme de Hiromasa Yonebayashi (quien había sido empleado de la compañía arrancando de cero como animador) bajo la estricta supervisión de Miyasaky.